Диалоги об Искусстве

А фильм… Я считаю, что «День выборов» – это шедевр. В этом фильме нет ни одной не крылатой фразы. Его разобрали на цитаты. А потом вышел ещё один фильм «День выборов 2». «Хорошо быть девочкой в розовом пальто, можно и не в розовом, но уже не то». Продолжения «Дня выборов» уже не зашло. «День Радио» – тоже уже не шедевр.

Сейчас мы запускаем новый проект – «Арт Школа для художников». Мы хотим помочь понять, как устроен арт-мир, и научиться продвигать свои работы. Я считаю, что художники должны изучать не только технику рисования, но и маркетинг, пиар, методы продвижения.

Темы в искусстве

Многие художники задаются вопросом: какие картины писать, чтобы получить наибольшую прибыль? Они пытаются понять, какие стили и техники использовать, чтобы привлечь внимание покупателей.

Вопрос, который, на первый взгляд, может показаться наивным, на самом деле волнует многих авторов. Почему одни картины пользуются большим спросом, а другие остаются незамеченными или продаются хуже?

Давайте попробуем разобраться в этой теме, опираясь на опыт, накопленный за много лет изучения искусства. Если говорить о коммерческом искусстве, к которому относятся живопись, графика и фотография, то, прежде всего, необходимо быть настоящим мастером своего дела.

Если вы только начинаете свой путь в искусстве, то первые шаги должны быть направлены на освоение профессиональных навыков. Выпускники художественных вузов и институтов являются важными участниками этого процесса. Чтобы стать настоящим мастером, необходимо посвятить много лет изучению различных техник и свободно владеть ими.

Если автор только начинает свой путь в искусстве, ему придется запастись терпением, прежде чем выйти на коммерческий рынок. Важно, чтобы он чувствовал себя уверенно в своей профессии и мог выражать свои мысли так, как считает нужным.

Яркий пример, известный всем, кто изучал историю искусства, – это гениальный Пабло Пикассо. Он начал свой путь в искусстве в юном возрасте под руководством отца. К 14 годам он уже был настоящим мастером, занимая первые места во взрослых конкурсах реалистической живописи. К своему совершеннолетию он стал настоящим мастером этого направления.

На протяжении всей своей жизни Пикассо искал свой путь, экспериментировал и стремился выразить свои мысли через искусство так, как это умеет делать ребенок. Одной из его целей было создание такой живописи, которая напоминала бы рисунки детей.

Почему именно дети? Потому что они очень искренни, их восприятие мира отличается от нашего, а работа мозга имеет свои особенности. Интересной чертой Пикассо было его чувство юмора и стремление найти новые методы создания художественных произведений, которые до него еще никто не использовал.

Редко можно встретить взрослого человека, который рисует как ребёнок. Именно поэтому Пикассо запомнился как великий мастер, любивший живопись и корригирующий её. Его работы последних лет могли бы показаться неумелыми, если бы люди не знали его лично.

Однако работы Пикассо глубоки с точки зрения исследования человеческого мозга. В некоторых его картинах рука находится в одной стороне, нога – в другой, а глаз – в третьей. Именно так рисуют дети, чей мозг работает иначе, чем у взрослых.

Когда-то я хотел издать книгу с фотографиями для детей. Я обратился в известное издательство с предложением проиллюстрировать определённую книгу фотографиями. Но мне отказали, объяснив, что детская аудитория воспринимает изображения иначе, и фотографии в детской книге были бы неприемлемы. Для меня это было большим удивлением, ведь я не знал, что восприятие детей отличается от восприятия взрослых.

Оказалось, что до трёх лет дети не воспринимают фотографические изображения, они их не понимают и не считывают. Например, если на фотографии изображён след от ступни на песке, то взрослый понимает, что это вдавленное изображение, а дети видят его как выпуклый след.

Эти особенности восприятия изображения очень важны. Однажды, когда я уже 10—15 лет занимался коммерческой фотографией, я посетил Третьяковскую галерею и с удивлением заметил, что многие портреты повёрнуты в определённую сторону. Я вспомнил, что когда мы снимали портреты для наших журналов, практически все люди были повёрнуты в одном и том же ракурсе.

Раньше я не задумывался об этом, а делал так, как мне было комфортно. Только в Третьяковской галерее, посмотрев на портреты, я задался вопросом: почему они все повёрнуты в одну сторону? Я думал, что человек, который охраняет эти картины, – искусствовед, но ответ меня насмешил. Женщина-смотрительница ответила, что портреты повёрнуты в эту сторону, потому что их так повесили. Она даже не поняла мой вопрос.

Позднее, когда я изучал психологию восприятия, я наткнулся на американскую книгу, в которой были описаны вопросы психологии восприятия изображения.

В одном исследовании было выявлено, какой ракурс наиболее комфортен для восприятия современным человеком. Это, безусловно, относится только к людям, живущим в наше время. Возможно, в исследовании также затрагивались расовые вопросы, поскольку оно проводилось на определенной группе людей.

Согласно исследованию, если взгляд портретируемого на портрете направлен в левый угол поля, то изображение воспринимается как нейтральное и не вызывает ни положительных, ни отрицательных эмоций. Оно комфортно, и мы не задумываемся над ним.

Однако, если человек на портрете смотрит в другую сторону, в правый угол, то для нас, зрителей, это может вызывать диссонанс и раздражать. Такой портрет становится очень сложным для восприятия.

Я вспомнил Третьяковскую галерею, где в зале с портретами был только один портрет, на котором герой изображения смотрел слева направо. Это был портрет Льва Николаевича Толстого. Автор, нарисовавший этот портрет, писал, что его отношение к Толстому было сложным. У Толстого был неуживчивый характер, и между людьми возникали большие напряжения. Поэтому этот портрет был написан в такой манере.

Позже я встретился с одним галеристом и художником. К тому времени я уже знал, как создавать комфортные портреты, и спросил его о книге со своими картинами. Я поинтересовался, почему он не любит одного из изображённых людей. Галерист был удивлён и спросил, как я догадался о его неприязни. Я объяснил, что это видно по портрету, где взгляд человека направлен слева направо, а это может указывать на психологические проблемы.

Галерист согласился со мной, сказав, что я прав. Он не любит этого человека из-за его неуживчивого характера и больших напряжений в личном общении.

Эту тему можно обсуждать долго. Если вам интересно, изучите различные выставки и галереи, как висят портреты, и обратите внимание, в какую сторону они направлены.

Почему я рассказываю об этом в рамках темы о рисовании? Необходимо много знать, чтобы свободно владеть мастерством и выражать свои мысли так, как вы хотите. У вас должен быть достаточный запас движения, чтобы не ограничивать себя рамками. Многие авторы учатся чему-то на быстрых курсах и делают то, чему их там научили. Они не свободны в своих решениях и рисуют так, как умеют. Это первый момент.

Второй момент, на который стоит обратить внимание, – это встреча с юристом Барщевским, который когда-то играл в КВН. Мы встретились с ним на презентации его книги. Было много журналистов, которые задавали вопросы. Один из вопросов был такой: «Вы написали книгу, что вы можете посоветовать молодым писателям?» Барщевский ответил: «Это не моя фраза, но она очень хорошая. Если вы можете не писать, не пишите. Пишите тогда, когда вы не можете не писать». Это очень важно.

Любое художественное произведение, созданное не по заказу, а по велению души, является отражением мыслей и чувств автора. Художники, творящие не по указке, могут выражать свои идеи через различные средства:

Художественное слово: романы, повести и рассказы, которые передают чувства и эмоции. Фотография: снимки, запечатлевшие моменты из жизни. Картина: визуальное искусство, способное выразить мысли и эмоции.

Все эти формы служат для передачи информации, что и является основной целью художественных произведений. Автор может стремиться выразить актуальные темы сегодняшнего дня, используя доступные ему средства.

Например, Лев Толстой создал роман «Война и мир», а Василий Верещагин написал множество картин на военную тематику. Каждый из них использовал свои уникальные инструменты для передачи мыслей и чувств.

Картина – это способ донести информацию до зрителя, и об этом мы думаем в первую очередь. Даже древние люди, нанося изображения на скалы, пытались что-то передать: либо задобрить богов, либо записать важную информацию.

Алфавит и пиктограммы могут быть как произведениями искусства, так и способом передачи информации. Поэтому, прежде чем создавать художественное произведение, важно задуматься о том, зачем вы пришли в этот мир и что хотите сказать людям. Если ваши идеи глубоки и интересны, то кто-то захочет, чтобы ваше послание миру оказалось в его коллекции. Это очень важный момент, который определяет, какие картины должен создавать художник.

Можно экспериментировать с техниками, как это делали художники в XX веке. В это время появились авангард, абстракционизм и множество различных направлений – от супрематизма до попарта. Художники исследовали все эти техники и сейчас реалистическая школа уже не вызывает такого интереса, как раньше.

Вспомним также искания художников в начале прошлого века, когда они экспериментировали с абстракциями и другими направлениями. Среди них были Кандинский, Малевич и многие другие. Однако с приходом Гитлера всё это было названо «дегенеративным искусством» и запрещено.

Интересно, что Гитлер сам считал себя художником и рисовал пейзажи. Эти работы сохранились, и он запретил в фашистской Германии направления, отличные от реализма, назвав их «дегенеративным искусством».

В Советском Союзе было направление социалистического реализма, которое начал Максим Горький в литературе, а затем оно распространилось и на другие виды искусства, включая живопись.

Сейчас работы в стиле социалистического реализма пользуются большим спросом среди коллекционеров на Западе, в то время как в Советском Союзе они уже казались неинтересными.

Мы задавали вопросы о том, как писать, многим известным художникам, чтобы понять, что такое современное искусство, почему одни картины стоят дорого, а другие – дёшево, и что нужно писать. В этом контексте особенно интересны два момента: высказывание Никаса Сафронова и Владимира Дубоссарского.

Владимир Дубоссарский – художник, чьи работы пользовались огромной популярностью в нулевые годы и стоили огромных денег. Я спросил его, над чем он работает сейчас. Он ответил, что они с Виноградовым создали проект, который высмеивал и пародировал, оммаж, социалистический реализм и поп-арт. Этот проект получил название «соцсоцарт».

Важно, что работы были понятны зрителям, которые знали о Советском Союзе и жили в то время. Сейчас, по словам Владимира, эти работы уже не пользуются таким спросом и не стоят таких больших денег, как в нулевые, потому что люди просто не понимают, о чём они писали.

Дуэт Дубоссарского и Виноградова распался, и Владимир работает над другими проектами и техниками. Этот весёлый проект существовал в эпоху глянцевых журналов, и многие иллюстрации в журналах были с работами Дубоссарского и Виноградова. Эти работы несли информацию и сарказм, были жанровыми.

Интересно, что работы Владимира Дубоссарского будут изучать в истории искусства. Он сказал, что смыслы, которые понимают люди в определённую эпоху и в определённом месте, называются «лакунами». Например, работы Дубоссарского были понятны советским людям, которые были пионерами и хорошо знали эту тематику. Но эти же работы ничего не сказали бы жителю Индонезии, где свои темы и свои взгляды на искусство.

Если бы художники описывали события в России через полотна живописи, то для современников это было бы интересно, а спустя 50 лет это было бы уже непонятно и, возможно, не так интересно. Только с исторической точки зрения это могло бы кого-то заинтересовать.

Для художников важно понять, к кому они обращаются своими полотнами: к современникам, к людям прошлого или к людям будущего. Например, Кандинский и Малевич в своих произведениях обращались к будущему поколению. В те годы был востребован путь вперёд, люди пытались построить новое общество и нового человека, и искусство передавало те идеи, которые были в умах людей того времени.

Когда мы беседовали с Сафроновым, он рассказал нам историю, которую рассказал как реальную. Это была притча, но она рассказывала как реальная история, произошедшая с ним. В этой истории Сафронов с группой людей летел на легкомоторном самолёте в Латинской Америке. Вдруг двигатель заглох, и самолёт упал в джунгли. Вышли они из самолёта, и самолёт окружило племя диких людей, индейцев-каннибалов. Всех пассажиров взяли в плен, отвели на большую поляну и поставили большой котёл с водой. Вот такая сцена.

Сафронов, воспользовавшись свободным временем, достал свой скетч-блокнот и начал делать зарисовки туземцев. Особенно его заинтересовал человек в экзотическом головном уборе с перьями – он стал его главным героем.

Вождь племени, увидев, что рисует Сафронов, попросил показать ему блокнот. Блокнот отобрали, и вождь с удивлением обнаружил на нём свой портрет, выполненный в реалистичной манере. Он был в восторге и сказал: «Вы мои друзья, будьте гостями здесь, всё лучшее для вас».

После этого случая между Сафроновым и туземцами установились отношения любви и дружбы. Через некоторое время художник задался риторическим вопросом: «А что было бы, если бы я был абстракционистом?»

Если бы портрет был нарисован в абстрактной манере, то, скорее всего, мы бы не услышали эту историю от Сафронова. Туристы могли бы закончить свой путь в большом котле, где их, вероятно, съели бы каннибалы. Даже листочка с абстрактным портретом, скорее всего, не осталось бы.

А в реалистичной манере всё было понятно, и туземцы были очень счастливы. Как говорится в пословице: «Сказка ложь, в ней намёк, добрым молодцам урок».

Эта история напоминает нам о том, что нужно быть понятным тем людям, которые хотят приобрести художественное произведение в свою коллекцию. Важно понимать, что именно хочет видеть коллекционер в работе. Я не призываю вас работать в реалистической манере, потому что многие коллекционеры понимают, что реализм отжил свою эпоху и сейчас не актуален.

Давайте подумаем, что нужно писать. Прежде всего, как мы уже говорили, пишите то, что вам интересно. То, что вызывает у вас эмоции. В любой работе должна быть заложена эмоция. У людей много эмоций, и если работа не вызывает никаких чувств, то она вообще не должна существовать.

Даже пейзажи Левитана передают эмоции – тепло, солнечный свет, тишину и покой. Если человек хочет, чтобы такая эмоция присутствовала в его жизни, то эта работа могла бы быть куплена. Это первый момент.

Импрессионисты старались передать эмоции через краски и писали эмоциональные работы.

В советских вузах преподавали принцип «больше грязи, больше связи». Долгое время было непонятно, что он означает, и почему в Центре современного искусства (ЦДХ) так много работ, выполненных в серых, бурых и зелёных тонах.

В этом году я осознал, что этот принцип говорит о том, что в работе должен быть акцент, но она не должна быть кричащей. Именно поэтому самые интересные фотографии – черно-белые. В них заложена идея и смысл, а отсутствие ярких красок не отвлекает от главного объекта.

Если говорить о черно-цветных фотографиях, то создать репортаж, который бы передавал идею фотографа, очень сложно. У нас в блоге есть подборка случайных фотографий, которые получились случайно. Это редкие снимки с удивительным светом, похожим на тот, с которым работали старые мастера. Такую работу создать с помощью фотоаппарата крайне сложно, потому что в ней мало цветов и есть акцент на главном объекте.

Поэтому если в работе нет обилия красок, но есть концентрация на главных объектах и композиционные решения, она привлекает внимание. Пейзажи с огромным количеством красок или кричащие картины, где вся палитра доступных цветов выложена в одном произведении, могут вызывать диссонанс и отторжение у зрителя.

Сейчас у нас огромный переизбыток информации, особенно графической. Поэтому чем более лаконично художественное произведение, чем меньше в нём ненужной информации и цветового шума, тем лучше. Лаконичность – это тот момент, который нужно понимать и знать. Чем более лаконичной будет ваша работа, тем лучше: только важные элементы, ничего лишнего.

Мы, люди, устали от обилия информации вокруг нас. В Советском Союзе часто рисовали Америку как страну бесконечных огней, и это вызывало у людей усталость. В эпоху гаджетов интерес к графическим работам, живописи и фотографии снижается, потому что мы получаем огромный поток визуальной информации через планшеты, телефоны, телевизоры и компьютеры. Поэтому сейчас ценится лаконичность.

Когда я смотрю на работу и вижу точку или запятую, я понимаю, что хочу, чтобы эта лаконичная и простая работа висела у меня дома. Например, белый квадрат – это работа, которая прекрасно впишется в любой интерьер.

Создавая художественные произведения, важно четко понимать, для кого вы их создаёте. Для какого рынка, какой страны или нации? Ведь каждому человеку нравится что-то своё: индонезийцу – одно, поляку – другое, американцу – третье, а жителю Челябинска – четвёртое. Поэтому нельзя быть всеядным.

Мы разговаривали с французскими галеристами, которые держат галереи в Германии, Франции, на юго-западе, в странах Юго-Восточной Азии и Америке. Владелец одной из галерей сказал нам, что американцы любят сюрреализм и абстракцию, европейцы предпочитают что-то своё, а китайцы – своё. Поэтому, создавая произведение, учитывайте запрос той стороны, для которой оно предназначено.

Однако не всегда нужно следовать общим тенденциям. Если все пишут в манере абстракции или сюрреализма, и таких работ очень много, а вы предлагаете арт-рынку совершенно другое направление, которое не вписывается ни в какие рамки, то есть вероятность, что именно ваши работы будут пользоваться безумным успехом и интересом, потому что таких работ много, а ваших – мало.

Чем более уникальное художественное произведение, тем больше оно стоит. Именно поэтому фонтан Дюшана или акула в формалине стоили огромных денег. Эти люди первыми выступили с такими темами, и до них никто не выставлял в арт-пространствах писсуар или сушёную рыбу в формалине, которые можно сказать достали из кунсткамеры. На арт-площадках такого не было, и поэтому эти картины стоят дорого.

Как мы уже говорили, в каждой работе должна быть эмоция. Эмоции делятся на множество аспектов. Если ваша работа вызывает эмоцию, то она будет хорошей. Если не вызывает – то не такой хорошей. Какие бывают эмоции? Сексуальные, гнев, радость, удивление и так далее. Диссонирующие вещи могут быть в работе. Например, в каталоге Дрео аукционного дома мы встретили такую работу Бэнкси.

Это был портрет Юрия Гагарина, известный как «Человек-улыбка». Гагарин держал в руках голубя, и, казалось бы, нормальный сюжет. Но у голубя была отрублена голова, и вместо головы фонтанировал фонтан крови. Эта жуткая работа вызывала тошнотворные чувства. На этом было акцентировано внимание художника, который привык эпатировать мир.

Бэнкси – это не один художник, а коллектив с неизвестным авторством. Работа предлагалась в тиражной технике за 6 тысяч долларов. Тираж был 100 экземпляров, и это очень высокие цены. С одного изображения можно получить 6 миллионов долларов.

В работе должна быть динамика, и она может выражаться совершенно по-разному. Например, телега на картине может быть динамичной или нет в зависимости от того, как она изображена. Все искусствоведы вспоминают картину про боярыню Морозову, где сани сами едут куда надо. А если вы эту работу повернёте в другую сторону, она уже не будет динамичной.

Психология восприятия изображения играет огромную роль. Художник обязан изучать эти вещи. В российских вузах психологии изображений не учат, в отличие от американских учебников, в которых я всё это читал.

В американском искусстве важную роль играет психология восприятия. Американская живопись берёт своё начало из рекламы, голливудских фильмов и диснеевских мультфильмов, созданных для продвижения товаров. Поэтому для американцев психология восприятия является неотъемлемой частью их культуры. Если изображение не способно вызвать у людей эмоции и не мотивирует их на покупку, то его можно считать неудачным.

Поэтому необходимо изучать, как люди воспринимают изображения, чтобы их подвигнуть на совершение какого-то действия. Поэтому я тоже рекомендую изучать психологию изображений, потратить на это время столько же, как и на обучение техникам создания изображений.

Потому что все это смыслы нужно очень хорошо понимать что делается, значит далее европа и Америка в том числе да в галереях практически нет реалистических работ они не интересны считать что это примитивно наши художники оттачивают мастерство реализма не всем это, кстати, тоже удается, но на самом деле это не пользуется сейчас никаким интересом.

Реализм уже никого не удивляет. Многие считают, что научиться рисовать в этой манере довольно просто, но мы придерживаемся иного мнения. Нам кажется, что нарисовать картину Пикассо гораздо сложнее. Для этого нужно хорошо изучить психологию и понять, что глаз должен находиться вне головы.

Если мы говорим о работах в жанре Contemporary Art, то помимо самого изображения, очень важно рассказать о концепции, которую оно несёт. Эти работы требуют описания и работы искусствоведа, который преподносит их как единое целое. Например, работа Монастырского, которую приобрела Третьяковская галерея, стоила огромных денег. Ветка Монастырского была описана как динамичный арт-объект с аудио сопровождением, который постепенно падал, издавая скрипящие звуки.

Поэтому, помимо самого изображения, нужно хорошо продумать, как подать художественное произведение, чтобы люди поняли и восхитились им. Важно, чтобы вы делали что-то уникальное, чего никто до вас не делал.

Для художников важно понимать, что часто восприятие неоднозначное. То, что нам нравится, не всегда означает, что мы хотим иметь это у себя дома. Например, картина может нравиться, но это не значит, что мы готовы её купить. Нам интересно то, что люди хотят купить.

Летом этого года, проходя по Ордынке мимо Израильского посольства, я заметил, что там была выставочная галерея, связанная с терактом в Израиле. Для израильтян это была страшная боль, и художник выразил её с помощью нейросетевого искусства. Эти картины вызывали сильные эмоции сопереживания и эмпатии. Но это не значит, что мы хотели бы видеть их у себя дома. Пусть они остаются на стенах посольства.

Другой пример – работы Васи Ложкина, которого мы знаем по выставкам и публикациям в интернете. Его карикатуры с юмором в своеобразной манере уникальны. Возможно, через сто лет они не будут вызывать никаких эмоций, потому что люди не будут понимать, что заложено в них.

Для Васи Ложкина очень важна подпись к его работам. Слова и изображение органично сочетаются и несут информацию. Хотели бы мы видеть работы Васи Ложкина у себя дома? Вряд ли, но в офисе плакаты вполне могли бы найти себе место. Тема плакатов в современном искусстве не раскрыта.

Недавно мы обсуждали с нашими художниками работу талантливого автора, с которым мы дружим. Она в нашем проекте. На ней изображено стадо буйволов, мчащихся куда-то. Динамика и огромная сила. Такие же работы могут быть о мотоциклах, гоночных тракторах или дрифтах. В работе должна быть динамика.

Когда мы обсуждали эту тему, одна художница предложила нарисовать тореадора. Мы посмеялись над этой идеей, потому что тореадоров, быков и красный цвет уже так много. Но для вернисажа в Измайлово это было бы неплохо. Люди бы покупали этих тореадоров, как пирожки. А в серьёзной галерее такую работу не возьмут. В серьёзную галерею нужно давать концептуальные работы, такие, как делал Кирьянов. Нужна концепция и свой стиль – лаконичный, узнаваемый, не кричащий, умный и интеллигентный.

Такие мысли возникли у меня сегодня вечером. Тема создания и написания работ бесконечна и люди думают об этом уже много веков. Буду рад услышать ваше мнение в комментариях под этим видео или подкастом.

Почему картины не покупают

Здравствуйте, дорогие друзья! Сегодня мы обсудим важную тему, предложенную одной талантливой художницей: почему картины не покупают? Давайте вместе попробуем разобраться в этом вопросе. Итак, почему картины не покупают? Давайте начнем постепенно разбирать эту сложную проблему и начнем с того, что не все художники хотят продавать свои картины и не все художники готовы делать какие-то действия для того, чтобы их картины покупались.