Танончики. Поваренная книга для начинающих композиторов

«Нет ничего хуже незаконченной музыки, брошенной музыкальной идеи. Особенно когда она хорошая. Все равно что рассказать половину анекдота – всех заинтриговал, но никто не рассмеялся. Не бросайте своих „музыкальных детей“, уважаемые композиторы, будьте ответственными родителями:))»

«Искусство изящного перехода от одной музыкальной мысли к другой и есть основа владения музыкальной формой. Предыкты, связующие части, каденции, вступления – без них музыкальная речь теряет связность. Здесь главное чувствовать дыхание формы, напряжение – расслабление, вдох – выдох, и научиться себя сдерживать – не перегружать информацией связующий раздел – помнить что это лишь „портал“ для перемещения из мира одной музыкальной идеи в другой:)) Для меня источником вдохновения в области формы остаются сонаты и симфонии Бетховена и Гайдна, первый – в качестве сбалансированной идеальной системы соотношения частей, второй – свободы внутри системы.»

«„Цветной слух“ понятие размытое. С одной стороны он несомненно есть. Но… Мне кажется соответствие тональностей – цветов, понятие не статичное, а процесс. С годами моя шкала меняется – в детстве почти полностью совпадала с Римским-Корсаковым, не со Скрябиным, сейчас полностью изменилось восприятие F и G, коричневый и красный. Ну а с практической точки зрения сегодня больше работают на мой взгляд синестезии – тембр – цвет, чем цвет – гармония.»

«Асимметрия музыкальной фразы, мотива, предложения „живее“, предпочтительней „холодной“ уравновешенности, геометрической точности. Дополнения, расширения, вариабельные метры – размеры – приемов преодоления „квадратности“ очень много. Главное чтобы они шли не от головы, потому что „так надо“, а от сердца, как в фольклоре – свободно льющаяся музыкальная фраза, никогда не знаешь когда закончится:))»

«Наше время – время свободы в реализации формы внутри музыкального произведения. Смешно упрекать современного композитора в том, что у него невнятная заключительная часть, или отсутствует работа с материалом побочной партии в разработке. Но в этом есть и ряд проблем. Жёсткая формообразующая модель – это драматургическая формула, прекрасно себя зарекомендовавшая в произведениях целых поколений композиторов. Ее отсутствие сродни карте новой планеты, на которой нет сторон света. Двигаться можно, но в какую сторону не имеет значения – можно идти „на все четыре стороны“. Поэтому я всегда рекомендую молодым композиторам отталкиваться от формообразующих моделей прошлого, вне зависимости от материала. Модернизировать, подстроить под себя схему эффективнее, чем каждый раз создавать и тестировать новую».

«Фортепианная прелюдия – самый честный жанр, своего рода гравюра в музыке. Не спрячешься за фактурой оркестра и эффектами. Только компактная музыкальная идея и рояль, ничего лишнего. Поэтому при поступлении в консерваторию интересный цикл прелюдий в собственном исполнении – самый востребованный жанр. Симфонии и реквиемы тоже можно показать приемной комиссии, но лучше начать с прелюдий:))»

«Ищите свой C -dur (ДО-мажор). И в 21 веке тональная музыка должна быть у каждого композитора своя, оригинальная.»

«Самый частый промах начинающих композиторов – назойливое „ученическое“ остинато. Вместо того, чтобы быть важным элементом фактуры – накачивающим энергию, эти остинато выполняют роль назойливой мухи, жужжащей Вам на ухо. Ещё хуже, когда кроме этого остинато больше ничего нет, и нам предлагают послушать его в течении 10—15 минут. К концу такой пьесы хочется попросить пощады у композитора и исполнителя:)) Прошу не путать „ученические остинато“ с медитативной и мини музыкой, когда это часть эстетики и концепта, а также гениальным рок-риффами. Это абсолютно другая история…»

«Искусство гармонизации мелодический мысли – одно из важнейших для композитора. Для начала стоит освоить модальную, классическую, джазовую гармонию, а также гармонические системы 20 века – хроматическую тональность, новую модальность, полигармонию и др.. Затем основательно забыть первоисточники, и создать собственную систему и метод гармонизации мелодических идей. Как правило проблем с „забыть“ нет, а создать действительно жизнеспособную оригинальную гармоническую систему непросто:))»

«В фортепианной музыке второй половины 20—21 века было найдено много нового и интересного. Для меня наиболее ценные открытия, актуальные и сейчас – расширение и унификация тембровой палитры рояля у Джорджа Крама, развитие виртуозной фортепианной фактуры у Лигети. Также огромный вклад в современный саунд фортепиано внесли великие джазовые пианисты Чик Кориа и Херби Хэнкок. Сегодня для композиторов фортепиано – лидер среди музыкальных инструментов в области экспериментов со звуком. Новые горизонты открываются при использовании амплификации и обработке звуковыми эффектами в режиме реального времени тембра рояля. В этом случае грань между звучанием рояля и синтезатора практически стирается.»

«Залог успешного финала – жанровая, эмоциональная подготовка в предыдущей части. Два противоположных примера – ликование в финале 5-й Бетховена, готовится в скерцо со знаменитым предыктом, а у Брамса в 4-й – к трагедийному финалу – чаконе подводит солнечное, танцевальное Allegro giocoso. И потом пусть всякие Ганслики пишут, что „У меня такое ощущение, как будто меня отлупили два ужасно остроумных человека“, важно другое – смысловая точка поставлена, финал состоялся, концепт работает.»

«Искусство музыкального портрета в современной музыке встречается крайне редко. Думаю ответ очевиден – двумя, тремя крупными „мазками“ нарисовать в звуках личность, характер, не абстрактно, а реально – сложнейшая творческая задача. Тут нужен и особый талант, любопытство, наблюдательность и владение ремеслом. Для меня вершиной искусства музыкальной картины и портрета является творчество Модеста Мусоргского. В его „Картинках“, „Детской“, „Песнях и плясках смерти“ нет ни одного промоха, повтора – каждый образ решен с нуля, ну и самое главное кастинг персонажей – нет случайных героев.»

«При выборе метрической стратегии – как писать – квадратно на 4, или использовать постоянно меняющийся, вариабильный метр, или полную свободу, неограниченную тактовой чертой я руководствуюсь правилом – хочешь что-то доказать, подчеркнуть в музыке – внятный метр; философия, медитация, иногда лирика – свобода, разрушение квадрата.»

«Сочиняя вокальный опус надо стремиться к самодостаточности мелодии. Выключаем аккомпанемент, одна мелодия работает – чудесно, можно сочинять дальше. Очень часто композитор становится заложником текста, и мелодия выполняет формальные функции – доносит размер, ритмику стиха. Так может быть, если стихи гениальные, в данном случае мелодия «ныряет» под текст. Но гораздо интереснее решать сверхзадачу, найти место и интересной мелодии и не расплескать смысл стихов.

Конец ознакомительного фрагмента.

Текст предоставлен ООО «ЛитРес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на ЛитРес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.