Художники России и их картины. Начальная школа

Художники России и их картины. Начальная школа

© ООО «ВАКО», 2018

От составителя

Любой творец – писатель, поэт, художник, даже школьник, пишущий сочинение, – старается максимально полно и точно выразить в своём произведении авторскую мысль. Но читатель или зритель – «профессия» особая. И наиболее внимательные зрители достались художникам, авторам живописных полотен.

У человека, рассматривающего картину, всегда возникает множество вопросов. Кто изображён на полотне? А кто позировал живописцу? Как долго художник писал картину? Почему он взялся за эту тему?

Бывает, в голову приходят вопросы вовсе не о произведении. Как художник провёл своё детство? Где он учился? Что любил делать, когда не писал картины? С кем дружил? Почему у него так много произведений на одну тему?

И в самом деле, как получилось, что Айвазовский писал в основном море? Да просто он у моря родился и вырос; разбогатев, построил себе дом в родном городе и обожал гулять по морскому берегу. Он, кстати, никогда не писал море с натуры – только в мастерской по памяти.

Или Шишкин, который по праву считается великим пейзажистом. Почему в своих картинах он так часто обращался к теме русского леса, русских лугов и полей? Художник по-настоящему любил родную природу. Он был большим знатоком леса и, как никто другой, умел изобразить его во всей красе.

Иногда, пристально вглядевшись в давно знакомое полотно или его репродукцию (так называется копия картины, воспроизведённая при помощи современного оборудования), можно совершить маленькое открытие: обнаружить что-то, ранее ускользавшее от внимания, чего не заметили ни учителя, ни одноклассники, ни родители. Вот здорово поделиться с ними своей находкой!

О некоторых художниках, живших и творивших в России в разные годы, и о написанных ими картинах рассказывается в этой книжке.

Айвазо́вский Иван Константинович (1817-1900)

Иван Айвазовский родился в городе Феодосии на Чёрном море (Крым). Художник происходил из небогатой армянской купеческой семьи и получил при рождении имя Ованес Айвазян.

Денег не хватало, в семье было пятеро детей. Ованес-Ваня хорошо играл на скрипке (научился самостоятельно) и рисовал. Одарённого мальчика заметил феодосийский градоначальник. Благодаря ему рисунки Айвазовского были представлены в Петербурге, после чего талантливого молодого человека приняли в Академию художеств.

Живописец участвовал в военно-морском походе к берегам Кавказа, во время которого познакомился с адмиралами М. Лазаревым, В. Корниловым, П. Нахимовым, В. Истоминым и досконально изучил конструкцию военных кораблей. За всю жизнь художник написал 6 тыс. картин, и практически на каждой – море. Художники, изображающие на своих картинах море, называются маринистами.

Айвазовский был живописцем Главного морского штаба, он запечатлел основные победы России на море, получил звание контр-адмирала.

На берегу моря, в родной Феодосии, живописец выстроил себе дом с мастерской и открыл в нём картинную галерею – первый в России музей одного художника.

«Девятый вал» (1850)

Девятый вал – это самая мощная волна во время шторма, его наивысшая точка. Такой волне и посвящена картина Айвазовского.

Кроме разбушевавшейся морской стихии, на переднем плане полотна живописец изобразил обломок мачты потерпевшего крушение корабля, цепляясь за который пережили страшную штормовую ночь выжившие люди. Их и стихающую бурю освещает пламенеющий рассвет. Принесёт ли наступающий день спасение? Или девятый вал, в последний раз посланный морем, наконец получит свою добычу, унеся людей в пучину?

Лиц всех пятерых человек, выживших в кораблекрушении, практически не видно, но и так понятно, насколько люди измождены. Вряд ли они моряки – скорее, купцы или путешественники из какой-то восточной страны: на них надеты свободные рубахи и шаровары, на головах у них чалмы (мужские головные уборы), а на лицах – бороды.

Вода блестит, отражая только что проснувшееся и ещё не набравшее силу солнце. Вместе с тем море кажется недружелюбным: бурной ночью оно погубило многих мореплавателей и как будто пока не может решить судьбу оставшихся в живых, расцвечивая мир вокруг них самыми разными красками. Переливы зелёного, сиреневого, жёлтого, синего цветов могут как внушать надежду на спасение, так и быть предвестниками зловещего конца.

Картина находится в Русском музее в Санкт-Петербурге.

«Среди волн» (1898)

На этом полотне – только море и небо.

Вспененная до белизны вода стремится допрыгнуть до неба, облака и чёрные тучи нападают сверху на бурлящее море. На картине нет ни людей, ни кораблей, как на большинстве полотен Айвазовского. Даже солнца не видно – только тёплого цвета лучи освещают холодную бирюзовую пучину, не проникая, однако, в глубину.

Эту картину многие искусствоведы считают вершиной творчества художника. Живописец ни разу «не отпустил» её на выставку – ни в России, ни за границей.

Айвазовский работал очень быстро, на картину «Среди волн» потратил всего 10 дней. А ведь живописцу было уже за 80, и полотно по размеру гигантское. Художник никогда не писал море с натуры – только по памяти, при этом точности изображённых им деталей поражались даже бывалые моряки.

Полотно находится в Феодосийской картинной галерее им. И.К. Айвазовского.

Били́бин Иван Яковлевич (1876-1942)

Иван Билибин родился неподалёку от Санкт-Петербурга в семье военно-морского врача.

Иллюстрируя сказки из сборника собирателя народного творчества А. Афанасьева («Сестрица Алёнушка и братец Иванушка», «Белая уточка», «Царевна-лягушка» и др.), художник оформлял их, начиная с обложки; он продумал даже шрифт текста: читатель должен был ощутить, что в руках у него – настоящее сокровище, старинная летопись, из которой он узнает о героях и чудесах. «Билибинский стиль» – такое название получило придуманное художником оформление.

После Февральской революции 1917 г. Билибин нарисовал эскиз двуглавого орла. Этот рисунок стал гербом Временного правительства, а сейчас он – официальная эмблема Центрального банка Российской Федерации, поэтому с 1992 г. его помещают на российских монетах.

Во время Великой Отечественной войны художник отказался эвакуироваться из блокадного Ленинграда. Билибин умер от голода и был похоронен в братской могиле профессоров Академии художеств на Смоленском кладбище.

«Иван-царевич и лягушка-квакушка» (1899)

Это одна из самых известных картин художника. Выполнена она в билибинском стиле – внимательно рассмотрев её, можно составить об этом стиле полное представление.

Картина иллюстрирует русскую народную сказку «Царевна-лягушка», известную в обработке разных писателей: А.Н. Толстого, А. Афанасьева. К сборнику сказок последнего она и стала иллюстрацией.

В сказке рассказывается о том, как царь женил своих взрослых сыновей. Велел он им выстрелить из лука: куда стрела упадёт, там и невесту искать надо. Так старшему сыну досталась боярская дочь, среднему – купеческая, а стрела, пущенная младшим, улетела в болото.

Картина «Иван-царевич и лягушка-квакушка» отображает центральное событие волшебной сказки: встречу Ивана-царевича и лягушки-квакушки. Вышел Иван к болоту и остолбенел от неожиданности и ужаса: стрелу лягушка держит! «Как же я на ней жениться могу?» – прочитает на лице Ивана даже не знающий содержания сказки. А лягушка смотрит снизу на царевича и молит взглядом: «Ква-ква, Иван-царевич, возьми меня замуж!»

Картину обрамляет орнамент из незабудок, стрел, которые решали в сказке судьбу царевичей, и четырёх жуков на ветке – лесных жителей.

«Иван-царевич и Жар-птица» (1899)

Картиной «Иван-царевич и Жар-птица» Билибин проиллюстрировал русскую народную волшебную сказку об Иване-царевиче, Жар-птице и о Сером Волке в изложении А. Афанасьева.

В сказке рассказывается, как повадилась в царский сад летать по ночам Жар-птица – золотые яблочки с любимой царёвой яблони воровать. Пообещал царь тому из сыновей, кто Жар-птицу изловит, полцарства подарить. Но никому не удалось поймать птицу, только младшему, Ивану-царевичу, посчастливилось схватить её за хвост да выдрать одно перо. Этот момент и запечатлел художник.

Ничего не видно ночью в саду – тьма кругом. И только от Жароптицевых перьев свет льётся. Птица, которую сумел-таки увидеть младший царевич, оказалась похожей на павлина – с короной-хохолком на голове и длинным пышным хвостом. Видать, быстро она летать может – Иван только и сумел, что за хвост её ухватить. Тут она перо и обронила. Остался Иван-царевич на земле с трофеем в руке, а птица улетела.

Картину обрамляет орнамент из перьев Жар-птицы, волшебных цветов, птиц, похожих на героиню сказки, но без роскошного хвоста.

Иллюстрации Билибина к сказкам имеются в Третьяковской галерее (Москва), в Русском музее (Санкт-Петербург).

Бори́сов-Муса́тов Виктор Эльпидифо́рович (1870-1905)

Виктор Мусатов родился в Саратове в семье бывших крепостных крестьян. Его отец до 22 лет не знал грамоты, но уже взрослым выучился и поступил на железную дорогу мелким чиновником, а через несколько лет стал бухгалтером. Значительную роль в жизни будущего художника сыграл дед Борис Александрович: мальчик им гордился и сделал его имя первой частью своей фамилии.

В три года Виктор неудачно упал и повредил позвоночник. В результате травмы у него стал расти горб. Родители, как ни старались, вылечить его не смогли.

Рисовать Мусатов начал в 6 лет. Через три года он подарил отцу на именины свою первую картину – её вставили в рамку и повесили на стену.

Рисование было любимым предметом Виктора в ремесленном училище, куда он поступил в 11 лет. Живописи он учился сначала в студии Саратовского общества изящных искусств, затем в Москве, Санкт-Петербурге, Париже.

Борисов-Мусатов был близок к художественному объединению «Мир искусства», в 1895 г. вступил в Союз русских художников. «Он был трогателен, мил и сердечен», – вспоминал о своём друге художник И. Грабарь. Борисов-Мусатов оказал большое влияние на творчество русских художников начала XX в. разных направлений, в том числе и представителей русского авангарда.

После учёбы художник в основном жил в Саратове и его окрестностях; в 1903 г. перебрался поближе к Москве, последние месяцы прожил в Тарусе (Калужская область). Этот город, расположенный в необычайно живописной местности, до сих пор привлекает людей искусства, особо остро чувствующих красоту: поэтов, писателей, художников, скульпторов, музыкантов.

Борисов-Мусатов похоронен в Тарусе, на высоком берегу Оки – на месте, которое незадолго до смерти он сам указал во время прогулки.

«Весна» (1901)

Это одна из лучших и наиболее известных картин художника. Задумал он её давно, но закончить работу удалось только в 1901 г. Искусствоведы называют это полотно совершенным. На нём не изображено никакого действия: тут отсутствуют даже элементы повествовательности.

Девушка, цветущий сад, яркая зелень под ногами, одуванчики – всё на картине очень лёгкое, зыбкое, прекрасное и совершенно неподвижное, замершее, статичное. Чтобы зритель прочувствовал отсутствие действия, художник применил необычную технику: изображение состоит из отдельных мазков, штрихов, точек, а потому произведение похоже на тканую картину – гобелен. Будто это не реальная жизнь. «Когда меня пугает жизнь, я отдыхаю в искусстве и в музыке», – писал художник в своём дневнике.

Картина находится в Русском музее (Санкт-Петербург).

«Осенняя песнь» (1905)

Весной 1905 г. Борисова-Мусатова с женой и годовалой дочкой на весь сезон пригласил к себе на съёмную дачу искусствовед профессор И. Цветаев – отец поэтессы Марины Цветаевой и создатель московского Пушкинского музея. Так Борисов-Мусатов оказался на берегу Оки, в Тарусе. Он написал здесь свои последние картины. Среди них простые по композиции, но очень поэтичные пейзажи, в том числе и «Осенняя песнь» – нежная и печальная картина золотой осени. Сам художник писал о ней: «Мне хотелось выразить именно музыку умирания природы».

Золотые осенние берёзы на картине напоминают театральные кулисы. Зритель то ли смотрит на мир со сцены, то ли из зала пытается разглядеть декорации. А за берёзами – Ока и луг на том берегу. И высоко-высоко – два журавлиных клина, улетающих к югу, к тёплой и доброй жизни. «Осенняя песнь» стала предпоследней картиной художника (и последней законченной).

Полотно хранится в Третьяковской галерее.

Брюлло́в Карл Павлович (1799-1852)

Отец Карла Брюллова был академиком орнаментальной скульптуры. Его звали Павел (Поль) Брюлло: семья имела французские корни, и фамилия произносилась на французский лад; сам Карл русифицировал свою фамилию только в 23 года.

Будущий художник рос болезненным, до семи лет практически не поднимался с постели, однако рисовал всё время. В 10 лет его приняли в Академию художеств.

После окончания академии Брюллов несколько лет путешествовал за границей. Позже его пригласили расписывать Исаакиевский собор в Санкт-Петербурге. Закончить работу он не успел: заболел, уехал лечиться в Италию, а через несколько лет умер.

«Последний день Помпеи» (1830-1833)

Брюллов оттачивал мастерство в Италии, посещал раскопки городов, погубленных в древности извержениями вулкана. Потрясённый, он написал свою самую известную картину «Последний день Помпеи».

Живописец изобразил улицу Гробниц и на ней – объятых ужасом горожан: искажённые лица обращены к огненному небу, с которого сыплются камни и пепел проснувшегося Везувия. Даже сильным мужчинам не удаётся устоять на ногах: земля колышется, она больше не твердь, а очень ненадёжная опора.

На головы людей падают куски расколотых стихией мраморных статуй богов. Ржание перепуганных вздыбленных лошадей, плач детей и вой матерей, пытающихся их защитить, стоны раненых – всё заглушается гулом, доносящимся из-под земли.

До вечера далеко, но солнца почти не видно в облаках пыли и пара, сгущаются сумерки, становится тяжелее дышать: мешает пепел и извергаемые вулканом ядовитые газы. Смерть накрывает ещё вчера такой живой и уютный город…

Завершённую картину преподнесли императору Николаю I, а тот затребовал её автора и наградил Брюллова лавровым венком. С первого дня работы Русского музея «Последний день Помпеи» находится в его экспозиции. Подобная картина есть и в Третьяковской галерее – предварительный вариант основного полотна.

«Всадница» (1832)

Молодая девушка верхом на вороном скакуне только что осадила его у крыльца богатого дома, замерла и явно позирует художнику. Девушка стройна и нежна, однако твёрдой рукой ей удаётся удержать разгорячённого ездой коня: она опытная всадница. Под копытами вертится и лает небольшая собака.

Девушка сидит в специальном дамском седле, на ней амазонка – платье, предназначенное для езды на лошади, поэтому иногда эту картину называют «Амазонка». За время долгой конной прогулки не пострадала причёска, не сбилась шляпка. Девушка часто ездит верхом.

На шум из дома выбежала младшая сестрёнка. Она, наверное, играла в доме, но услышала с улицы заливистый лай и поспешила на крыльцо.

По небу несутся тучи – надвигается непогода, видимо, скоро начнётся дождь. Может, поэтому старшая сестра поспешила вернуться? Но теперь все в безопасности: сейчас всадница передаст скакуна конюху – он вот-вот покажется у крыльца. Ещё минута, и изображённая художником картина рассеется: собаки убегут в парк, конь отправится в денни́к, а юные хозяйки пойдут в дом пить чай или полдничать.

Конный портрет «Всадница» считается образцовым для первой половины XIX в. Картину Брюллов написал по просьбе графини Ю. Самойловой, фамилию которой можно прочитать на ошейнике одной из собак. Что за девушка и девочка изображены на полотне, единого мнения нет. Принято считать, что это приёмные дочери графини – итальянки Джованнина (старшая) и Амацилия Пачини.

Полотно выставлено в Третьяковской галерее.

Васнецо́в Виктор Михайлович (1848-1926)

Виктор Васнецов родился близ Вятки (теперь – Киров) в семье священника. Учился в духовном училище, семинарии, Академии художеств. Участвовал в Товариществе передвижников – объединении художников, которые считали, что искусство должно реально отражать жизнь народа; передвижники проводили выездные выставки.

Картины Виктора Васнецова выставлены в крупнейших музеях России: Третьяковской галерее, Русском музее. По рисунку В. Васнецова выполнен фасад здания Третьяковской галереи. В Москве есть музей В.М. Васнецова, расположенный в доме, проект которого сделал сам художник и где долгие годы он жил и работал.

«Богатыри» (1881-1898)

На картине изображены главные герои русских былин.

Посередине – Илья Муромец. Это реальная историческая личность, воин, прославившийся ратными подвигами и причисленный церковью к лику святых. Он главный среди изображённых на картине богатырей. Конь под ним – под стать всаднику: огромный, вороной, на мощных ногах.

Добрыня Никитич (слева; справа от Ильи), по былинам, молод, как и Алёша Попович, но на картине у него окладистая борода. И конь под ним романтичной белой масти.

Алёша Попович (справа; слева от Ильи, на гнедом коне) выглядит моложе своих соратников. С лукавой улыбкой смотрит он в сторону. Притороченные к седлу гусли выдают в нём весельчака и балагура.

С тревогой вглядывается вдаль из-под руки Илья, почти вытащил меч из ножен Добрыня. Да и Алёша, завидев врага, тут же вскинет зажатый в руке тугой лук и пустит быструю стрелу. Не пройти недругам через богатырскую заставу! Заслонили землю Русскую своими широкими плечами три богатыря: едва видны из-за них леса, поля, тревожное облачное небо.

«Иван-царевич на Сером Волке» (1889)

Этой картиной В. Васнецов проиллюстрировал известную сказку «Иван-царевич и Серый Волк»: зверь помогает царевичу и Елене Прекрасной спастись от погони и мчит их через тёмный лес.

Елена прильнула к своему спасителю и доверилась ему. Царевич насторожен: опасность он должен встретить во всеоружии. Волк старается скорее унести Ивана и Елену из заколдованного леса. У него человечьи глаза и золотисто-коричневая, как кафтан у царевича, шкура.

Чудесно зацветшая в чаще у болота яблоня, мимо которой, не касаясь земли, пролетают герои сказки, говорит о всепобеждающей любви и счастливом конце истории.

«Снегурочка» (1899)

От этой картины веет холодом. Среди сугробов и заснеженных елей и берёзок изображена маленькая девочка – Снегурочка. Она будто только что вышла из морозного леса. Вдали виднеются огни деревни.

В небе мерцают звёзды – зимой рано темнеет. Снегурочка выглядит напуганной: родной лес остался позади, скрипит под валенками снег, ноги проваливаются глубоко. В темноте и студёной тишине страшен каждый звук: то ветка хрустнет от мороза, то снежная шапка обвалится с дерева, то птица какая пролетит или мышь под снегом пробежит. В мороз все звуки становятся громче.

Глаза Снегурочки полны слёз – то ли от холода, то ли от страха, то ли от недоброго предчувствия. В каждом кусте и дереве на картине мерещится что-то зловещее. И тем красивее Снегурочка в своей шубке всех оттенков снега на заснеженной поляне.

Снегурочка – любимый многими образ. О ней написал пьесу драматург А. Островский, а оперу на текст пьесы – композитор Н. Римский-Корсаков. Свою картину Васнецов создал после того, как выполнил эскизы костюмов и декораций к одноимённой опере.

Все три полотна находятся в Третьяковской галерее.

Вру́бель Михаил Александрович (1856-1910)

Михаил Врубель родился в Омске в семье офицера. Учился живописи в Санкт-Петербурге, работал гувернёром и репетитором: Михаил хорошо знал латынь.

Приехав в Москву, он сблизился с С. Мамонтовым, предпринимателем и меценатом, увлёкся майоликой (вид картин на керамике), которую изготавливали в мастерских в имении Мамонтова в Абрамцеве.

Женой и музой Врубеля стала певица Надежда Забела – ведущее сопрано частной оперы Мамонтова, а позже солистка Мариинского театра в Санкт-Петербурге.

Художник обладал очень чувствительной натурой: впервые попав в Эрмитаж, от нахлынувших чувств он упал в обморок. Картины Врубеля необычны по сюжетам, манере, подбору красок, композиции.

Сегодня на фасаде стоящей почти напротив Большого театра гостиницы «Метрополь» в Москве можно увидеть майоликовое панно «Принцесса Грёза». Его изготовили в абрамцевских мастерских по картине Врубеля. Когда художник уже практически перестал творить, ему присвоили звание академика живописи. Сейчас имя М.А. Врубеля носит Омский музей изобразительных искусств.

«Снегурочка» (1890)

Картину художник написал, работая над эскизами костюмов к опере Н. Римского-Корсакова «Снегурочка». Роль сказочной девочки предназначалась жене живописца Н. Забеле, возможно, поэтому автор написал не только костюм, но и зимний лес, из которого вышла Снегурочка. Видимо, не часто ей доводится покидать лесную чащу – взгляд огромных глаз распахнутый и удивлённый. Однако у Снегурочки нет портретного сходства с Н. Забелой.

Снегурочка Врубеля одета в шубку из неведомого материала: ткань образуют гигантские снежинки не по-зимнему тёплого цвета. Шапка тоже украшена снежинками и комочками пушистого снега. Обута девушка в ботиночки с по-восточному загнутыми носами.

То, что Снегурочка – лесная жительница, подчёркивает белочка, сидящая у её ног и нисколько её не боящаяся.

Картина находится в Рязанском государственном областном художественном музее им. И.П. Пожалостина.

«Царевна Лебедь» (1900)

На полотне «Царевна Лебедь» изображена героиня оперы Н. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане», созданной по одноимённой сказке А.С. Пушкина. Врубель делал для спектакля эскизы декораций и костюмов. Партию Царевны Лебеди исполняла жена художника: её написали специально для Н. Забелы.

Многие думают, что и на картине – жена художника в сценическом костюме, однако Врубель изобразил здесь не её, а именно героиню оперы: картинная царевна мало похожа на Н. Забелу.

Художник запечатлел самый главный момент: превращение лебеди-птицы в Царевну. Она появляется из белоснежных птичьих перьев, как бы вырастая между лебединых крыльев – такая же лёгкая, чистая, невесомая и прекрасная. На голове – то ли русский кокошник, то ли корона. На плечах – белая полупрозрачная вуаль. Взгляд огромных глубоких тёмных глаз обернувшейся красавицы с необыкновенно бледным лицом как бы говорит зрителю: «Подожди, не подглядывай».

Суровое северное море неспешно катит волны к берегу прекрасного яркого острова. На него шагнёт Лебедь, став Царевной.

Далеко не все современники восхищались «Царевной Лебедью». Однако знающий толк и в живописи, и в сказках В. Васнецов говорил об этой картине, что изображённый на ней образ Царевны создан редкостными по красоте, истинно сказочными красками.

Полотно «Царевна Лебедь» находится в Третьяковской галерее, два эскиза картины – в Русском музее.

Граба́рь Игорь Эммануилович (1871-1960)

Игорь Грабарь родился в Будапеште (ныне – столица Венгрии). В 1876 г. семья переехала в Российскую империю. Поселились в Егорьевске, недалеко от Москвы.

Грабарь участвовал в творческих объединениях «Мир искусства» и Союз русских художников. В 1913 г. Московская городская дума избрала его попечителем Третьяковской галереи, и на этой должности он пробыл до 1925 г.

В 1918 г. Грабарь создал и возглавил Реставрационные мастерские (теперь – Всероссийский художественный научно-реставрационный центр им. академика И.Э. Грабаря) – место, где возвращали и возвращают к жизни старые, плохо сохранившиеся произведения искусства. Создавались мастерские прежде всего для реставрации икон: именно они являются одними из древнейших памятников истории, дошедших до нас.

Грабарь сумел собрать для кропотливой работы весь цвет отечественной научной реставрации того времени: и учёных-искусствоведов, и опытных художников-практиков. Среди сотен других произведений искусства здесь раскрывали икону «Троица» кисти Андрея Рублёва (удаляли с неё позднейшие наслоения), спасали сокровища Дрезденской галереи.

«Февральская лазурь» (1904)

Всё полотно будто излучает свет: бывают такие невероятные сияющие дни в конце зимы. По ночам ещё трещат морозы, ещё длинны тени, но днём солнце светит так, что холод не страшен. Уже прибавился день, и природа затаилась в ожидании скорой весны.