История мировой культуры

Кларнет намного моложе флейты. Он появился в XVII веке, хотя предки его звучали еще в Древнем Египте. Звук в кларнете извлекается при прохождении через узкую щель, куда музыкант дует через специальный мундштук – бочонок. Ясное и чистое звучание и прекрасный тембр хорошо сочетаются с другими музыкальными инструментами.

Гобой внешне напоминает кларнет, хотя устроен несколько иначе. Музыкант дует в него через узкую трубку – трость, отчего звук получается несколько гнусавым и не таким громким, как у кларнета. Говорят, что он напоминает человеческий голос. Появился гобой во Франции в XVII веке на основе реконструкции народного предка – шалмея. Важным качеством гобоя является точность звука по высоте, поэтому нота ля первой октавы, сыгранная гобоем, служит для настройки всех оркестровых инструментов.

Очень близок к гобою английский рожок. У него несколько округлый раструб, придающий звуку неповторимую мягкость. Может быть, поэтому английский рожок солирует в характерных, затейливых танцах.

Фагот по устройству аналогичен гобою, но в отличие от него сложен вдвое. Благодаря колену звук у него более низкий и не такой громкий. Однако он достаточно подвижен и может звучать с сильным комическим эффектом, особенно заметным при быстрых пассажах. Для удобства музыкант дует в фагот через изогнутую трубку. Предком фагота является большая деревянная труба – бомбарда. Она была такой длинной, что играли на ней вдвоем – один музыкант держал ее, а другой играл. Вот почему создатели фагота и сложили ее вдвое.

В симфоническом оркестре деревянные духовые инструменты составляют одну из основных групп. Не менее широко они встречаются и в камерных ансамблях.

ДЕТАЛИЗАЦИЯ

Понять данный прием и сложно, и вместе с тем просто. При восприятии того или иного произведения мы прежде всего вспоминаем какие-либо подробности, на которые обращает внимание художник, – например, щит, на который опирается Александр Невский на картине П. Корина. Этот образ (щит – защита Родины) объединяет все три картины в одно произведение – триптих. Иногда деталь помогает понять содержание картины. Черно-белый пол на историческом полотне Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея» напоминает о непримиримом столкновении двух персонажей.

Таким образом, деталь играет важную роль в восприятии того или иного произведения. Благодаря деталям мы можем точнее представить себе эпоху, когда создавалось данное произведение. Например, увлечение изображением бытовых предметов в натюрморте характерно для фламандской школы живописи.

Конечно, чрезмерное нагромождение деталей может привести к превращению картины в склад забытых и ненужных вещей, но иногда и оно помогает художнику передать свое отношение к изображаемому. Так, в картине П. А. Федотова «Свежий кавалер» мы видим множество мелких бытовых подробностей. Вначале кажется, что они лишь загромождают полотно, но вскоре становится ясно, что они четко передают саркастическую насмешку автора над героем.

Своеобразна роль детали в скульптуре. Вот, например, меч на памятнике Минину и Пожарскому работы И. П. Мартоса. Он не только показывает, что изображенные на памятнике – воины, но своей прямотой символизирует их стойкость. Поэтому скульптурная деталь чаще всего является символом, а не просто изображением предмета.

Встречаются детали и в музыкальных произведениях, только там они особенные – звуковые. Это короткие цитаты из хорошо знакомых слушателям мелодий. Например, в напряженную финальную сцену Кармен и Эскамильо в опере Ж. Бизе «Кармен» вплетены фрагменты из песенки тореадора и выходной арии Кармен. Они как бы оттеняют напряженный сюжет, подводят зрителей к главному – трагической развязке.

Совершенно иначе использована музыкальная деталь П. И. Чайковским. В балете «Лебединое озеро» сцену бала открывают несколько небольших танцев, в которых использованы хорошо известные народные мелодии. Своей незамысловатостью они еще ярче выделяют финал картины – адажио принца и злой Одиллии, околдовавшей его.

В симфонических произведениях также встречаются детали: например, в симфонических иллюстрациях Г. Свиридова к повести А. С. Пушкина «Метель» звучат фрагменты народных песен («Степь да степь кругом»). Они порождают необходимый автору образ заметенного метелью поля скорее, чем пространная симфоническая картина.

ДЖАЗ

Корни джаза – в музыкальном фольклоре привезенных в Америку негров. Начиная с XVII века они жили, работали и развлекались в ином этническом окружении. Их исконная музыкальная культура постепенно смешивалась с европейской, также завезенной в Америку, и в результате к середине XVIII века сложился особый род музыки, преимущественно увеселительного, танцевального характера.

Собственно джаз появился в Новом Орлеане между 1900 и 1905 годами. В это время там возникло множество самодеятельных оркестров, которые и назывались «джазы-банды». Однако широкой публике их искусство стало известно лишь с 20-х годов XX века. Первая пластинка с записью музыки «джаз-банды» вышла 26 февраля 1917 года. С этого времени и началось постепенное распространение джаза сначала в Америке, а затем и в других странах мира.

Быстрому распространению джаза способствовали и его природные качества: импровизационность, повышенная эмоциональность исполнения, ритмическая изощренность.

Свежее, оригинальное искусство нью-орлеанских пионеров джаза (так называемый hot jazz – горячий джаз) уже в 20-е годов было быстро вытеснено «коммерческим» джазом Бродвея. В последующие десятилетия джаз дал многочисленные ответвления и школы («свинг», «би-боп», стиль «прогрессив», симфоджаз и т. д.), выдвинул крупных композиторов (Дж. Гершвин, Д. Эллингтон, Л. Армстронг) и исполнителей (певица Э. Фицджералд, кларнетист Б. Гудмен, пианист Арт Татум и др.). Джазу органически присущи черты легкого жанра, что подчас маскирует его художественную самобытность.

В СССР джаз получил распространение с середины 20-х годов. Родоначальником (хотя и не первенцем) этого направления следует считать «Tea-джаз», организованный в 1929 году певцом и музыкантом Л. О. Утесовым. Тесно связанный на протяжении многих лет с советской массовой песней, джазовый стиль в эстрадном искусстве нашей страны нередко именовали «песенным джазом».

Из музыкантов, много сделавших для утверждения и распространения джаза в 30–50-е годы, следует назвать выдающегося композитора И. О. Дунаевского (1900–1955), а также композитора и дирижера А В. Варламова, одного из первых советских профессиональных композиторов, работавших в области джаза, автора более 350 эстрадных пьес; пианиста и композитора А. Н. Цфасмана, трубача и дирижера Я. Б. Скоморовского, дирижеров и аранжировщиков В. Н. Кнушевицкого, Л. А. Дидерихса, Н. Г. Минха, В. А. Людвиковского, О. Л. Лундстрема, Ю. В. Силантьева и др.

ДИВЕРТИСМЕНТ (фр. divertissement – увеселение, развлечение)

Первое значение этого слова связано с названием цикла из нескольких разнохарактерных музыкальных пьес, подобных сюите. Он был распространен в начале XVIII века. В свою очередь понятие стало названием жанра музыкального или драматического произведения, состоящего из ряда отдельных номеров. Такое произведение обычно имело легкий танцевальный или маршевый характер (дивертисменты Гайдна, Моцарта), а позже – блестящие виртуозные произведения (например, «Венгерский дивертисмент» для фортепиано в 4 руки Шуберта).

Дивертисментом также называлось развлекательное представление, включавшее номера разнообразного характера: танцы, песни и т. п. В XVIII и первой половине XIX века оно давалось в перерывах между действиями в оперных или балетных спектаклях. В операх и балетах дивертисментами называют вставные номера или сцены, не связанные с сюжетом произведения. Таков, например, дивертисмент (серия танцев), которым заканчивается балет П. И. Чайковского «Щелкунчик» или танцы в сцене бала в балете «Спящая красавица».

Наконец, дивертисментом именуют и эстрадный концерт разнообразного содержания, поскольку понятно, что отдельные номера могут составлять и единое целое.

ДИЗАЙН

Термин происходит от англ. design – чертить, проектировать. Им обозначают разновидность художественно-проектной деятельности по созданию промышленных изделий и формированию целостной предметной среды, окружающей человека.

Дизайн, или, как его иногда называют, художественное конструирование, – неотъемлемая составная часть современного процесса создания промышленной продукции. Созданное художником-дизайнером изделие становится эталоном для будущего промышленного производства.

Дизайн возник одновременно с переходом от ручного к машинному производству и оформился в самостоятельный вид искусства в конце прошлого века, когда повсеместно стало развиваться массовое производство изделий широкого потребления. Первоначально он заключался в стремлении возродить старинные ремесленные традиции, но уже в самом начале XX века утопичность такого подхода стала очевидной. В двадцатые годы были заложены теоретические и практические основы современного дизайна. Им занимались в разных странах. Можно назвать имена русского инженера В. Г. Шухова, архитектора И. Рерберга и немцев П. Беренса и В. Гропиуса (см. Баухауз).

В 30–40-е годы дизайн интенсивно развивается как в Европе, так и в США, открываются даже соответствующие факультеты вузов. В России развитие дизайна связано с деятельностью ВХУТЕМАСа, где работали теоретики и практики прикладного искусства. Однако затем эта линия в развитии прикладного искусства была насильственно прервана, и лишь в 60-е годы началось ее медленное возрождение. Специализированные же организации (например, ВНИИ технической эстетики) появились лишь в середине 60-х годов.

ДИКСИЛЕНД – наименование джазовых ансамблей, возникших в 1910-х гг. в США и состоявших исключительно из белых музыкантов. Само же название dixieland, буквально означающее по-английски «земля Дикси», происходит от бытовавшего в США наименования южных штатов страны.

Подобного рода ансамбли играли джазовую музыку так называемого нью-орлеанского стиля, характерными чертами которого были коллективная импровизация и простой аккомпанемент в сочетании с острым ритмом.

На рубеже 20-х годов такие ансамбли получили широкое распространение и в Европе. Впитав в себя многие приемы европейской техники, коллективы этого типа впоследствии перешли на исполнение главным образом танцевальной (или развлекательной) музыки.

Один из подобных современных ансамблей сегодня работает в Санкт-Петербурге, он так и называется – «Диксиленд».

ДИОРАМА (греч. dia – через, насквозь и horama – вид, зрелище) – лентообразная картина, размещаемая на полукруглом подрамнике, в которой живопись дополняется предметным планом, состоящим из бутафорских и реальных предметов и сооружений. Таким образом, диорама приближается к театральной декорации. С театром диораму объединяет искусственное освещение с использованием световых эффектов, подобие сценической рамы, откуда осуществляется ее обозрение.

Обычно диорама имеет вид сравнительно невысокого полуцилиндра значительных размеров, внутри которого всю вертикальную поверхность занимает живопись, а горизонтальную – предметный план, «макет». Зритель отделен от пространства диорамы большим проемом в передней стенке, напоминающим театральную рампу. В прошлом отличительные свойства диорамы были основаны главным образом на особой технике исполнения: живопись наносилась на полупрозрачную поверхность, что позволяло использовать подсветку с задней стороны. При этом разрушалась свойственная картине односторонность освещения и возникала иллюзия объема. В современных условиях этот же эффект достигается с помощью особым образом направленного освещения. Для размещения крупных диорам строятся специальные павильоны.

Как и панорама, диорама дает иллюзию обширного пространства и изображает преимущественно батальные сцены, например, «Взятие Ростова» М. Б. Грекова (1929), «Форсирование Днепра войсками Советской Армии» А. А. Горпенко, А. М. Стадника, П. И. Жигимонта (1948).

ДИПТИХ

Первоначально диптихом называли две дощечки, покрытые с одной стороны резьбой или росписью, а с другой – воском, на котором можно было писать острой палочкой – стилем. Они скреплялись друг с другом наподобие книжного переплета и использовались как записная книжка, были особенно распространены в Древнем Риме.

С принятием христианства диптихи стали использовать для записи текстов молитв и имен усопших, поминавшихся при богослужениях. Позже диптихами стали называть и небольшие иконы, скрепленные боковыми сторонами. Это были образы святых, перед которыми можно было молиться дома и в пути. Постепенно это же название закрепилось и за двумя картинами, объединенными общим замыслом.

ДИРИЖЕР

Если спросить не музыканта, чем занят дирижер во время концерта, то ответ, скорее всего, будет такой: он показывает музыкантам, как играть, то есть когда начинать и когда заканчивать. Конечно, на самом деле все обстоит гораздо сложнее и роль дирижера намного важнее.

Главное качество дирижера – умение воплотить свой замысел исполнения того или иного произведения и реализовать его с помощью музыкантов-исполнителей. А в оперном спектакле роль дирижера еще сложнее, поскольку он управляет не только оркестром и хором, но и солистами и должен всех их объединить в единый исполнительский ансамбль. Чтобы понять, откуда же он все-таки появился перед оркестром или хором, обратимся к истории.

В оркестрах XVIII века дирижера с палочкой не было. Вместо него перед музыкантами находился концертмейстер со скрипкой в руке. Он начинал исполнение произведения и следил за тем, чтобы все остальные музыканты играли слаженно и мелодично. Если же в исполнении участвовал хор, то им управлял капельмейстер, который аккомпанировал певцам на клавесине. В то время дирижер стоял лицом к публике, а не к оркестру. Этот обычай пришел из обихода придворных оркестров, когда никто не смел поворачиваться спиной к августейшей особе, сидевшей в ложе.

Начиная с первой половины прошлого века дирижер уже не играл, а лишь управлял оркестром. Первыми встали спиной к публике знаменитые композиторы Ф. Мендельсон и Р. Вагнер. За последнее столетие дирижерское искусство развилось в самостоятельную отрасль музыкального исполнительства. Оно начиналось с творчества композиторов и дирижеров Г. Малера, П. Чайковского, С. Рахманинова.

Музыку XX века невозможно представить без имен дирижеров Л. Стоковского, А. Тосканини, Г. Караяна, К. Аббадо, Зубина Меты, Г. Н. Голованова, Е. А. Мравинского, Г. Н. Рождественского, М. Л. Ростроповича, Ю. Х. Темирканова, Е. Ф. Светланова.

(См. также Оркестр).

ДИСКО – одно из течений танцевального рока. Возникло в связи со шлягерами групп «АББА» и «Бони М». Название получило в связи с популярностью дискотек. В основе этого популярного танца лежит четкий ритм и приятная мелодия, позволяющая танцевать даже неподготовленному человеку. В песнях стиля диско, в отличие от настоящего рока, не затрагиваются никакие социальные проблемы.

ДИСКОТЕКА

Первоначальное значение слова – собрание или хранилище пластинок (по аналогии с фильмотекой или пинакотекой).

В 20–30-е годы, когда грампластинки стали пользоваться огромной популярностью, дискотеками стали называть большие шкафы, где хранились пластинки, в небольших барах, ресторанах и закусочных. Появились и специальные люди, ставившие для посетителей пластинки. Они и явились предшественниками современных диск-жокеев.

С середины 70-х гг. в нашей стране дискотеками стали называть музыкально-танцевальные вечера, во время которых посетители слушали пластинки или магнитофонные записи популярной музыки. Ведущий такого вечера и стал называться диск-жокеем.

Дискотеки быстро завоевали популярность во всем мире и стали одной из любимых форм проведения досуга людьми самого разного возраста.

ДОЛЬМЕН (франц. dolmen, бретонский tol – стол и men – камень) – древнейшее погребальное сооружение, сохранившееся до наших дней с эпохи неолита (3–2 тысячелетия до н. э.). Дольмен является и одним из первых типов целостной архитектурной композиции. Он представляет собой коробчатое строение, сложенное из огромных каменных глыб или плит, поставленных вертикально и покрытых одной или несколькими плитами сверху. В дольмене может быть и несколько помещений, следующих друг за другом (трилит). Иногда вокруг дольмена насыпают земляной курган. Такое сооружение называется цистой. Дольмены обнаружены в различных районах Земли – в Африке, Азии, Европе.

ДОМ

В человеческой культуре дом играет весьма важную роль. Постройки, предназначенные для повседневной жизни, человек начал строить в глубокой древности, как только были накоплены необходимые знания в области строительства. Простейшей формой дома стала землянка, прикрытая выступавшей над землей крышей. В каменном и бронзовом веках существовали и постройки прямоугольной и овальной формы, для возведения которых использовались те материалы, которые в изобилии имелись в данном районе. Тогда же дома стали ставить на каменный или земляной фундамент – для защиты от сырости. В городах древнего Междуречья возникают типы домов прямоугольной формы, стены которых возводились из плотно утрамбованной глины.

В Древней Греции дом представляет собой уже достаточно сложное сооружение, состоящее из нескольких частей – жилых помещений, дворика (мегарона) и хозяйственной части. Только в классический период возникают новые типы домов: parastas – вестибюльный с центральным залом и двором, prostas – с центральным двором и входным вестибюлем, а также перистильный – с внутренним двором, окруженным портиком с колоннами. К этому типу восходят и греческие дворцы.

Греческие дома послужили основой для разработки типичной планировки римского дома, объединившего черты всех трех типов. Центром римского дома становится атрий – внутреннее помещение, в которое выходили главные комнаты. Через переход – таблиний – можно было пройти в перистиль (внутренний дворик), за которым находилось еще одно помещение – экседра. Нередко в перистиле размещался сад. Такой дом и получил название villa urbana. Дом с более свободной планировкой, увязанной с рельефом местности, получил название villa suburbana.

Именно в Древнем Риме сложились основные типы домов – жилой и доходный, состоявший из нескольких этажей, сдававшихся внаем. Особенности римских домов легко увидеть и в дворцовой архитектуре, где впервые появляется целостный ансамбль из многих зданий. Любопытно, что в основе плана римских дворцовых ансамблей лежит структура военного лагеря. Это отражало стремление видеть во дворце не только жилое помещение, но и оборонительное укрепление.

В средние века складываются основные типы жилых домов, развивавшиеся и в последующее время. Это прежде всего наемные дома с окнами на улицу и внутренними лестницами. Особенно сильно тип построек менялся в районах с холодным климатом. Уже в римских домах здесь использовалось центральное отопление, при котором полы нагревались от подвальной топки. В других местах, как, например, в Британии, непременной принадлежностью жилого дома становится множество печей и каминов.

(О доме в России см. Деревянная архитектура).

ДОНАТОР

На некоторых иконах, написанных западноевропейскими мастерами позднего средневековья и Возрождения, можно увидеть изображения не только святых, но и обычных людей. Одним из них и является донатор. Так называли изображение заказчика, а иногда строителя храма, включенное в какое-либо произведение. Донатор обычно изображался стоящим перед Иисусом Христом, богоматерью или святыми и подносящим им свиток или модель храма. В этих небольших фигурках до нас дошли черты реальных людей того времени.

Этот обычай возник еще в начале нашей эры, когда храм нередко украшали изображением того, кто дал деньги на его постройку. Оно называлось ктитором (от греч. ктиторос – создатель). Через Византию и страны Балканского полуострова подобные изображения распространились и на Русь. Таким образом, словам донатор и ктитор соответствует одно и то же русское слово даритель.

ДУХОВНЫЕ СТИХИ – народные песни на религиозные темы и сюжеты. Они возникли почти сразу после появления христианства. В них отразилось восприятие новой религии обычным человеком: ведь в них в доступной и понятной, легко запоминаемой стихотворной форме, разговорным языком рассказывалось о ветхозаветных персонажах (об изгнании Адама и Евы из рая, о жизни Иисуса Христа).

Большая группа духовных стихов посвящена различным святым, совершавшим свои подвиги (побеждавшим чудовищ, разнообразных противников) во имя торжества христианской веры, а также чудотворным иконам, историческим персонажам (Александру Невскому, Дмитрию Донскому, патриарху Никону).

Возникнув в глубокой древности, духовные стихи дожили до наших дней, причем репертуар их за это время изменился лишь незначительно. Объясняется это тем, что в них рассказывается об общечеловеческих ценностях: честности, верности данному слову, уважению старших, любви к родной земле.

Основными исполнителями духовных стихов были «калики перехожие» – странники, совершавшие хождения в Святые земли – Иерусалим, Константинополь.

В настоящее время духовные стихи сохранились в живом бытовании лишь в среде старообрядцев и в некоторых религиозных сектах. Однако публикации этих ценнейших памятников русской культуры и возрождение национальных традиций вызывают интерес к ним со стороны самых разных читателей – как профессиональных исследователей, этнографов, историков, литературоведов, так и просто интересующихся русской духовной жизнью.

ДУХОВЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ

Хотя во всех духовых инструментах источником звука является колеблющийся столб воздуха, заключенный в их корпусе (трубке), устройство их весьма различно. Тембровая окраска и мощность звучания инструментов зависят от формы и длины корпуса, от материала и способа звукоизвлечения.

Изменение колебаний воздушного столба, а следовательно, и высоты звука достигается двумя способами. Во-первых, разделением столба воздуха на части с помощью выпуска части воздуха через боковое отверстие. С помощью системы отверстий можно рассечь его на 2, 3, 4 и более частей, вследствие чего звучит не основной тон, а один из его верхних гармонических созвуков. Во-вторых, объем звучащего столба воздуха увеличивают или уменьшают посредством специальных приспособлений – клапанов, вентилей, пистонов, кулисы, – которые музыкант приводит в действие пальцами.

По способу вдувания струи воздуха в трубку инструменты также делятся на несколько групп. Прежде всего это лабиральные (флейты), представляющие собой трубки, в которые воздух вдувается через специальное отверстие. К ним примыкают язычковые инструменты, где воздух проходит через щель из двух тонких пластинок – язычков (кларнеты). На них похожи тростевые, у которых вместо широких язычков на пути воздушной струи стоит узкая трубка – трость (гобои, фаготы).

Наибольшей громкостью звучания отличаются амбушюрные инструменты, где звук получается на особым образом сложенных губах исполнителя. Для этого инструменты снабжены мундштуками в виде чашечек. К амбушюрным относятся медные духовые инструменты – валторна, труба, тромбон, туба, альт, тенор, баритон и др.

Духовые инструменты применяются в оркестрах различных составов, редко в камерных ансамблях, еще реже – в качестве солирующих. Из народных инструментов к духовым относятся дудук, жалейка, зурна, карнай, най, трембита, флуер и др. Особую разновидность духовых инструментов образуют клавишные и кнопочные духовые инструменты – орган, баян, гармоника. Источниками звука в них являются тонкие металлические пластинки – язычки, а воздух в них нагнетается специальными мехами.

Духовые инструменты составляют одну из древнейших групп народных инструментов и представлены практически у всех народов мира.

ДУЭТ (от лат. duo – два) – ансамбль из двух исполнителей, каждому из которых поручена самостоятельная партия. Это могут быть два музыканта, два певца или певец и инструменталист. Дуэтами также называют сочинения для такого ансамбля. Отметим, что это одна из наиболее популярных форм произведения для музыкантов-любителей.

Дуэты могут быть как инструментальными (Дуэт для скрипки и фортепиано Ф. Шуберта, сюиты для двух фортепиано С. В. Рахманинова), так и вокальными («Не искушай меня без нужды» М. И. Глинки, «Ванька – Танька» А. С. Даргомыжского).

В дуэте обычно один инструмент дополняет звучание другого. Иногда между ними происходит своего рода диалог, разыгрывается нечто подобное драматическому сюжету. Особенно характерны подобные дуэты для инструментальных концертов И. Баха, Г. Генделя, А. Вивальди. Не менее известен и дуэт флейты и фагота, открывающий Первую симфонию П. И. Чайковского «Зимние грезы».