Простое рисование. Упражнения для развития и поддержания самостоятельной рисовальной практики

Дмитрий Горелышев

Простое рисование: упражнения для развития и поддержания самостоятельной рисовальной практики

Издано с разрешения автора

Допущено Федеральным УМО в качестве учебно-методического пособия для обучающихся по дисциплине «Рисунок»

Все права защищены.

Никакая часть данной книги не может быть воспроизведена в какой бы то ни было форме без письменного разрешения владельцев авторских прав.

© Дмитрий Горелышев, 2019

© ООО «Манн, Иванов и Фербер», 2021

* * *

Введение

Пятнадцать лет назад мы с моим другом Никитой Никитиным, еще будучи студентами, начали вести факультатив по наброскам и быстрому рисунку в Строгановке. Мы уделяли внимание разнообразию форматов, работе с моделями, состоянию мастерской. Все это создавало особую атмосферу, которая притягивала не только студентов, но и рисовальщиков со всей Москвы. Так появился Кружок скорого рисунка, который спустя годы вырос в Простую школу – место, где любой желающий может начать или продолжить учиться изобразительному искусству. Сейчас у нас есть открытые практические занятия, учебные группы и курсы для любого уровня подготовки, в том числе в онлайн-формате.

Дмитрий Горелышев. Автопортрет

Мы увидели, что и начинающим, и более опытным художникам нужна среда для серьезной практики, обучения и сотрудничества. Наша цель – создать для этого условия, помогая нашим посетителям формулировать творческие задачи, выбирать средства их достижения и овладевать этими средствами. Личный рисовальный и преподавательский опыт привел нас к выводу, что в обучении важнее всего намерение, целеполагание, интенсивность и регулярность практики. Любые навыки быстро нарабатываются, если понятно, для чего они нужны. Задача наших преподавателей – присутствовать в процессе и быть внимательными. Это передается ученикам через общение, задания, инструкции. Так преподаватели поддерживают учеников на пути самостоятельных творческих открытий.

Эта книга – сборник практических упражнений, разработанных для очных и онлайн-занятий в Простой школе. От книги будет ощутимая польза только в том случае, если вы воспримете ее как руководство к действию, если сделаете все эти упражнения сами. Нельзя научиться рисовать, просто прочитав учебник.

Цель книги – дать вам инструменты и методику для самостоятельного обучения и развития, сделать вашу рисовальную практику более структурированной и насыщенной. В начале книги дано краткое описание выразительных средств графики и композиции. Это нужно для того, чтобы мы могли разговаривать на одном языке: вы познакомитесь с понятиями и терминами, которые далее используются в описании упражнений. Сами упражнения не привязаны к какой-то конкретной школе или направлению. Они развивают не столько технику или узкий навык, сколько внимание и осознанность в рисовании.

По этим методикам я занимаюсь со студентами МГХПА им. С. Г. Строганова и Британской высшей школы дизайна, с художниками разного профиля в Простой школе. Главная идея упражнений – сфокусировать внимание на одном конкретном аспекте, выделив его из контекста. Так проще начать, а навык быстрее сформируется. С такими упражнениями каждый читатель может работать на доступном ему уровне. Именно поэтому я убежден, что они полезны на любом этапе развития рисовальщика – от самого начального до профессионального. Я сам использую их в своей практике.

Упражнения из этой книги призваны сделать процесс рисования более интенсивным, интересным и осознанным. Они развивают навыки, полезные иллюстраторам, дизайнерам, аниматорам, художникам широкого профиля. Не важно, что мы рисуем, важно – как. Упражнения ставят перед нами задачи, которые мы сами бы не решились или не смогли перед собой поставить. Они создают новую, необычную для нас ситуацию и не позволяют рисовать по привычным шаблонам. А мой преподавательский опыт показывает, что если получается удивить студента – натурой, приемом, задачей, то работа идет куда плодотворнее. В таком состоянии мы рисуем более искренне и увлеченно.

Друзья, выкладывайте ваши работы по этим упражнениям в соцсети с хештегом #простоерисование и смотрите результаты других читателей. Работа в группе – ключевой момент в образовании, ведь мы учимся друг у друга едва ли не в большей степени, чем у преподавателя. Кроме того, мне самому интересно, что у вас получится.

Желаю вам плодотворной рисовальной практики!

глава 1. Базовые понятия и изобразительные средства графики

В этой главе я познакомлю вас с ключевыми понятиями и изобразительными средствами, используемыми в графике.

Основные понятия

Здесь представлены те понятия, которые я считаю самыми важными для практической деятельности любого уровня, в порядке обращения к ним в работе.

Целеполагание

Любое произведение начинается не с инструмента, а с идеи. Музыка начинается не с нотного стана, скульптура начинается не с куска камня, рисунок начинается не с карандаша и листа бумаги. Перед началом работы любой сложности мы должны быть готовы ответить на вопросы «что я намерен сделать?» и «для чего?». Даже самые простые действия лучше выполнять осмысленно, с ясной целью. Например, мы рисуем фигуру человека, и перед нами масса возможностей: изобразить ее как анатомический этюд, как сложную форму, как силуэт, как объект в интерьере. Все зависит только от нашего выбора.

Определившись в начале работы с целью, мы уже не запутаемся в бесконечных возможностях и будем двигаться к конкретному результату. Кроме того, постановка цели позволяет проверить себя в конце работы – автор сам в силах решить, достиг он своей задачи или нет.

Ясное целеполагание особенно помогает в начале пути, когда мы мало что умеем, а шанс неудачи очень велик. На этом этапе главным препятствием становятся наши ожидания: мы хотим, чтобы было красиво, а получается не очень, что расстраивает и мешает работе. Но если мы ставим простые и измеримые цели, то уже не ждем от этих рисунков чего-то большего – ведь это просто ступени на нашем пути. Например: нарисовать стакан с вертикальными стенками действительно вертикальным, сделать изображение куба объемным, нарисовать десять прямых линий с разным нажимом.

Простая цель позволяет нам сфокусировать внимание на качестве исполнения, не отвлекаться на задачи другого уровня и не сравнивать себя с кем-либо. Со временем цели могут становиться более сложными, многосоставными: если мы уже способны нарисовать десять линий с разным нажимом, то наш линейный рисунок пейзажа или интерьера будет более живым и пространственным.

Бывает так, что вы ясно видите цель в начале работы, а потом отвлекаетесь и переключаетесь на что-то другое. Если это происходит, когда вы выполняете упражнение, то лучше начать работу заново. Если же речь о свободном рисовании, то такая спонтанность порой приносит пользу, например новые возможности.

Если вы хотите сделать что бы то ни было качественно, то ключевой момент – наша вовлеченность в процесс, внимание к тому, что и как вы делаете. Самый большой враг в рисовании – это автоматизм. Как только мы потеряли концентрацию и начали что-то делать механически и бесцельно – рисунок пропал.

Плоскость листа

Любая графика двухмерна по сути – она принадлежит плоскости листа, даже если изображает что-то объемное. Плоскость листа – это наша рабочая поверхность и важный инструмент. У любого изображения есть центр и края, центр обычно отвечает за содержание, форму, глубину пространства, а края – за цельность композиции и уплощение. Тут уместна прямая аналогия со зрением: то, что находится в фокусе, мы воспринимаем во всей полноте. Периферию же видим боковым зрением, нам понятно, что там происходит, но без конкретики и детализации.

В графической работе края уравновешивают то, что находится в центре, они же объединяют изображение с поверхностью листа. Хороший график не только стремится сделать форму убедительной, объемной, похожей, но и заботится о том, чтобы изображение не отваливалось от листа, не выглядело «обманкой», имитацией. Для этого на краях оно обычно чуть уплощается.

Плоскость листа – это и поверхность, и определенный формат. От размера и пропорций качество работы зависит не меньше, чем от точности рисования. Чаще всего используется бумага уже заданного формата и размера, просто потому, что такой она продается. Хорошо, если мы задумываемся об этом и подбираем лист под конкретную задачу, – такой подход делает каждую работу осмысленной и ценной.

Композиция

Понятие композиции существует во всех видах искусства – в архитектуре, живописи, скульптуре, музыке, театре, литературе, кино. В каждом из них есть своя специфика, например архитектурная композиция имеет ряд принципиальных отличий от музыкальной. Композиция картины открывается нам сразу же, а композиция кинофильма или спектакля – постепенно. Но есть и неизменно общее: композиция – это структура любого произведения, его фундамент. С помощью композиции мы выражаем суть произведения, соподчиняем его части, задаем нужный темп восприятия.

Композиция – это не только гармоничное распределение объектов, с ее помощью задается последовательность, в которой зритель воспринимает содержание, открывает для себя смысловые слои произведения. При неудачной композиции не спасет даже хорошая техника; такая работа может казаться эффектной, но при этом остается поверхностной и бессодержательной.

В композиции существует ряд выразительных средств, которые выступают постоянными рабочими инструментами для художника. Это своего рода опорные точки, которые помогают автору пройти путь от замысла работы к ее завершению. Вот основные из них:

• ракурс;

• выявление главного;

• пропорции и масштаб;

• статика и динамика;

• равновесие;

• форма и контрформа;

• ритм;

• контраст и нюанс;

• свет;

• цвет;

• фактура.

В следующей главе я расскажу о выразительных средствах композиции подробнее.

Черное и белое

Графика в чистом виде – это черное и белое, минимум средств и максимум выразительной силы. Владение этим инструментом открывает для нас все остальные возможности. Именно в черно-белом изображении нагляднее всего проявляется качество композиции: то, как изображение лежит на плоскости листа, как «белое» бумаги взаимодействует с «черным» материала. Выразительные качества работы во многом зависят от соотношения знака с краями и полями листа, и только потом – от уровня владения материалом.

Юлия Аделова. Натюрморт. Белое в черном

Есть два базовых подхода к черно-белой графике. Первый – когда много черного тона, который формирует само изображение, а зажатые между черными пятнами белые фрагменты становятся акцентами. Белый в окружении черного воспринимается более ярким, чем просто белый (см. рисунок выше).

Второй подход – когда много белого, а черный тон располагается на его поверхности отдельными пятнами разного размера и формы. В этом случае белый тон становится не акцентом, а скорее средством объединения композиции.

Дмитрий Горелышев. Интерьер. Черное в белом

На этих двух подходах базируется и все остальное – полутона, текстуры, цвет. И не важно, каким материалом вы работаете, все начинается с черно-белой схемы, которую вы можете создать в воображении, а можете зафиксировать на эскизе.

Поначалу это не очевидно, но мы рисуем не самим материалом, а белой бумагой, оставляя ее в необходимых местах, в необходимых количествах и с необходимой мерой контраста. С пониманием этого нам открывается новый изобразительный уровень – более легкое и свободное рисование, не завязанное только на точность линии или силуэта. Оно опирается на взаимодействие темного и светлого, поначалу абстрактное, а потом приобретающее ясные очертания конкретных объектов. Такой подход уместен в любой графической работе – портрете, пейзаже, иллюстрации или плакате.

Полутон

Под полутоном я в данном случае подразумеваю весь спектр между черным и белым. Определив структуру листа и роль белого, мы добавляем полутона, чтобы изображение стало сложнее и разнообразнее. В зависимости от меры условности нашего рисунка можно использовать как один средний между черным и белым тон, так и десятки. Чем больше полутонов, тем богаче изображение. Но пропорционально количеству полутонов растет и сложность их соподчинения. К полутону я также отношу фактуры и другие средства тонкой настройки изображения.

Форма и пространство

Скульптура и архитектура работают с реальной формой и пространством, графика и живопись – с иллюзорными. Все, что мы рисуем, – это имитация опыта визуального восприятия трехмерной формы. Есть два основных способа передать ее в графике – круглая форма и рельеф. Первая полностью имитирует впечатление от трехмерной, в ней есть ощущение непрерывности поверхности, наличия невидимой для нас обратной стороны. Это достигается за счет ясной светотени, плавных переходов между самым светлым и самым темным участком и обязательно – рефлекса (отраженного света). Именно рефлекс создает иллюзию того, что форма заворачивается от зрителя и имеет обратную сторону. Рельеф – это уплощенная форма, она как будто «выдавлена» из плоскости листа, но не ощущается полноценным круглым объектом. Средства для его исполнения те же, но с меньшей ролью рефлекса и меньшей разницей в тоне между частями изображения.

Схожая ситуация с изображением пространства в графике. Оно может имитировать наше восприятие реального пространства или быть уплощенным. В первом случае чаще всего используется метод воздушной перспективы, когда объекты теряют насыщенность тона, цвета и детализацию по мере ухода в глубину. Другая крайность – пространство из совершенно уплощенных предметов. Достаточно того, чтобы формы пересекались силуэтами. Если одна перекрывает другую, очевидно, что она ближе, а значит, в изображении уже два плана. Кроме того, возможно бесконечное количество промежуточных вариантов, когда часть пространства композиции дана реалистично, а часть уплощена в той или иной мере. Подробнее об этом – в задании о трех планах.

Уплощенная форма и пространство часто используются в иллюстрации, печатной графике, комиксе. Они намекают зрителю на свойства предметов и среды, но при этом остаются в рамках условного формального решения.

Акцент

Этот пункт снова возвращает нас к вопросу о целеполагании – тому, для чего мы создаем тот или иной рисунок. Акцент привлекает внимание, это первый шаг к взаимодействию со зрителем. Для создания акцента существует много средств: тональный или цветовой контраст, высокая степень детализации, использование другого материала. Кроме того, акцент – это своего рода точка в произведении, без нее графическое высказывание выглядит незавершенным.

Завершенность

Это то состояние произведения, когда оно не нуждается в продолжении. Завершенность может быть технической и содержательной. Техническая завершенность подразумевает, что в рисунке есть акцент и достигнуто определенное качество исполнения, а содержательная – что тема раскрыта, рисунок выглядит органичным, вызывает сопереживание. Эти два типа завершенности не зависят друг от друга напрямую. Например, рисунок, выполненный в рамках учебного упражнения, может быть технически завершен, но при этом абсолютно бессодержателен и холоден. И наоборот, есть множество примеров полноценных графических работ, сделанных всего несколькими штрихами, в которых чувствуется состояние и среда.

Хороший показатель завершенности работы – если ее хочется долго рассматривать, погружаться в нее. Чувство завершенности весьма субъективно, но его можно тренировать постоянной практикой и анализом работ других авторов. Важно понимать, что это не синоним тщательности или сложности – живая и быстрая работа тоже может и должна быть завершенной.

Изобразительные средства

В графике всего два основных средства – это линия и пятно, все остальное – их производные.

Линия

Это самое доступное средство, обладающее огромным выразительным потенциалом. Линия может быть тонкой и широкой, ровной и дрожащей, сплошной и прерывистой, с одинаковым или переменным нажимом – все это позволяет нам сделать полноценный завершенный рисунок только одним средством.

Разные линии. Карандаш

Борис Виппер писал: «Линия – всего лишь наша абстракция, условное средство для опознания границ плоскостей и предметов»[1]. Линий в природе не существует, в окружающем нас мире все объемно. Мы наблюдаем границы предметов, но это не плоский контур, а край видимой нам поверхности.

Например, перед нами цилиндр, в середине силуэта которого мы видим закругляющуюся поверхность с фасада, под прямым углом. Чем ближе к краю, тем больше поверхность отворачивается от нас, а на границе силуэта мы видим поверхность с торца, «скользя» по ней взглядом. Именно это место мы обычно рисуем линией.

Вид сбоку

Вид сверху

Замыкая контур линией, мы всегда уплощаем изображение: трехмерный объект становится двухмерным, имеющим только силуэт. Чтобы передать линией форму простых геометрических объектов, нужно рисовать грани внутри силуэта. В сложных формах можно моделировать рельеф в рамках силуэта, заводя одну линию за другую, отделяя ближнюю часть рельефа от дальней.

Рисование формы линией

Рисовать линией можно практически любыми материалами: карандашом, ручкой, пером, кистью, углем. И в каждом случае у линии будет своя особенная интонация, поэтому важно знать возможности материалов и применять их в правильный момент.

Линии разными инструментами: твердый карандаш, тонкая кисть, широкая кисть, ручка, монолитный графит, сухая кисть, жирный карандаш

Пятно

В графике пятно выполняет две основные функции: создает силуэт и светотень. Обозначив пятном границы объекта, мы говорим только о его габаритах и очертаниях, он остается плоским. Такой подход хорош для композиционного эскиза или условного уплощенного изображения.

Пятно без линии

Если же мы хотим передать объем, то нужно обозначить пятном нижние или боковые поверхности объекта, в зависимости от расположения источника освещения. Белый тон бумаги, таким образом, останется только на освещенных участках объекта. В этом случае зритель даже без линий увидит, что изображено на рисунке, – наш глаз обучен узнавать объемные формы при наличии света и тени.

Пятно разными материалами: разбавленная тушь, черная тушь, уголь, карандаш

В рисовании такого рода важную роль играет форма пятна и его граница. Пятно с четким краем даст больший контраст с бумагой, такая форма будет выглядеть ярче и ближе той, что сделана пятном с размытыми краями. Зная об этом, можно управлять вниманием зрителя, привлекая его туда, куда нужно, и разделять пространственные слои. Быстрее всего пятно можно положить с помощью таких материалов, как кисть с тушью или уголь, – они позволяют делать сразу большие заливки тоном. Но есть и другие варианты, например пятно можно набрать разнообразным штрихом – карандашом, пером или тонкой кистью. В таком случае пятно будет неоднородным по тону, внутри него возможны градиенты, изменение фактуры.

Линия и пятно

Чаще всего эти два средства используются вместе, например: линия для контура – пятно для тени. Или пятно для силуэта – линия для деталей. Возможности этой пары огромны.

Дмитрий Горелышев. Набросок фигуры. Акварель, кисть, тушь

Есть два ключевых правила работы линией и пятном:

1. Одного должно быть больше, другого меньше.

2. Линия и пятно не должны дублировать друг друга.

У каждого средства в рисунке есть своя роль, и перед началом работы нужно представить себе, как будет выглядеть результат, чтобы распределить эти роли. Мы воспринимаем завершенным то, что состоит из крупных форм и деталей. Так и в графике: либо пятно используется, чтобы обозначить массы, а линия дополняет их деталями, либо все сделано линией, а пятновой акцент выделяет главное.

Дмитрий Горелышев. Портрет. Тушь, кисть, карандаш

В большинстве случаев, когда пятно полностью дублируется по силуэту линией, это выглядит механическим ненужным повтором. Рисунок получается живым и свежим, когда мы оставляем в нем воздух, недосказанность. Полезно представлять себе линию и пятно как два слоя, из которых складывается изображение. Идеальна ситуация, когда рисунок перестает читаться и выглядит незавершенным, если мы мысленно убираем любой из «слоев». Это значит, что мы все делаем правильно и у каждого средства своя необходимая роль. Если мы убираем «слой», а изображение ничего не теряет, значит, мы используем слишком много средств для такой задачи или используем их неверно.

глава 2. Композиция

Здесь речь пойдет об основных выразительных средствах, которыми располагает композиция.

Ракурс (точка зрения)

Прежде чем компоновать, нужно выбрать, с какой точки вы будете рассматривать объект изображения. Часто смена ракурса в корне меняет привычные свойства предмета и обнаруживает его новые взаимодействия с другими предметами и средой. На этом этапе нужно быть смелее, исследовать все возможности, а не брать первый попавшийся или удобный ракурс.

Выявление главного (композиционный центр)

Этот пункт напрямую связан с целеполаганием – с тем, ради чего создается работа. Если коротко, это формирование системы соподчинения объектов в изображении. Особенно важно выделить композиционный центр, если вы создаете многофигурное изображение или работаете с пространством – рисуете интерьер или пейзаж. Единственный вид графики, где выделять главное не обязательно, – это орнамент или паттерн. Раппортная (модульная) композиция заведомо не имеет начала и конца, а значит, не имеет и композиционного центра.

Простой пример соподчинения частей: предмет и фон за ним, фон очевидно подчинен предмету. Или несколько предметов на разной глубине: если сделать их равнозначными по размеру, тону или детализации, работа не будет выглядеть завершенной – этот ряд предметов можно продолжать бесконечно, как орнамент. Один из предметов должен быть основным, другие же – окружением для него.

Конец ознакомительного фрагмента.

Текст предоставлен ООО «Литрес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на Литрес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.

Сноски

1

Виппер Б. Р. Введение в историческое изучение искусства. М.: Изобразительное искусство, 1985.